国立近代美術館

フォーヴィスムは、野獣（フォーヴ）のように激しい色と筆使いによる、荒々しい作品が特徴だ。主導者であるマティスは、『豪奢I Le Luxe I』（1907）で、省略された描写、平面性を見せているが、やがて『模様のある背景の装飾的人体Figure décorativesur fond ornemental』（1925〜1926）のような作品を生み出す。この絵をよく見ると、壁の模様と床とが一体化し、裸婦は床に座っているようにも、宙に浮いているようにも見える。ルネッサンス以来の絵画は、奥行きをもたない2次元の平面の上に、3次元空間を再現しようと試みてきたのだが、マティスは逆に絵画の平面性を強調しているのだ。

ピカソを中心とするキュビスムの画家の絵では、立体（キューブ）が画面全体を支配している。ブラックの『果物とトランプのある静物Compotier et cartes』（1913）や、グリスの『朝食のあるテーブルLe petit déjeuner』（1915）を見ると、対象物は一つひとつさまざまな視点から見られ、抽象化されている。ピカソは初め、『女の胸像Buste de femme, Etude pour les Demoiselles d'Avignon』（1907）程度に人物を幾何学的形態のうちに捉えていたが、しだいにモデルが何なのかわからなくなるまで、その抽象化を進めることになる。

ロシア生まれのカンディンスキーの作品『白の上に II Auf Weiss II』（1923）などを見ると、幾何学的表現が明確になり、シャープな線が主になっている。スイス人のクレーは『リズミカルRhythmisches』（1930）など、情緒的な美しい作品を残している。幾何学的抽象化は、さまざまな画家によって盛んに試みられたが、オランダ人のモンドリアンは、なかでも直線と三原色による最も単純化された形を求めた画家だ。

抽象派とは違って、具体的なイメージを使いながら、現実にはあり得ない世界を抽出したのが、シュルレアリスムの画家たちだ。マグリットの『赤いモデルLe modèle rouge』（1935）をはじめ、エルンスト、タンギー、デ・キリコは、私たちを幻想的世界へと誘ってくれる。

　第2次世界大戦後のヨーロッパの美術を見ると、デュビュッフェのように、ユーモアのセンスのなかにナチスの恐怖を内包した作品が目につく。
　戦後のアメリカは、現代美術の一大拠点となったが、なかでもポロックは、激しいアクションで絵の具を垂らして描くという独自の技法（アクションペインティング）を生み出した。『ナンバー26A 黒と白Number 26 A, Black and White』（1948）など、混沌としたイメージが創造されている。
　1960年代に入ると、大衆文化の普及にともない、日常社会を取り込んだいわゆるポップアートが出現。ウォーホルやリキテンシュタイン、オルデンバーグの作品には、消費文化の匂いと、ポップな軽快感が漂う。
　1960年代のフランスで起こった、ポップアートに相当する芸術運動がヌーヴォー・レアリスム（新現実主義）。アルマンやティンゲリーは、日常の廃棄物を寄せ集めたオブジェ（アッサンブラージュ）に芸術的な意味を吹き込んだ。また、イヴ・クラインが自ら「インターナショナル・クライン・ブルー」と名づけた深い青は、地中海の空と海を思わせる。